lunes, 31 de marzo de 2014

Franz Joseph Haydn


Franz Joseph Haydn, nació en Rohrau, cerca de Viena, Austria, el 31 de marzo de 1732 y murió en su ciudad, el 31 de mayo de 1809. Compositor.

El sitio Biografías y Vidas publicó este recordatorio.


(Rohrau, Austria, 1732 - Viena, 1809) Compositor austriaco. Con Mozart y Beethoven, Haydn es el tercer gran representante del clasicismo vienés. Aunque no fue apreciado por la generación romántica, que lo consideraba excesivamente ligado a la tradición anterior, lo cierto es que sin su aportación la obra de los dos primeros, y tras ellos la de Schubert o Mendelssohn, nunca habría sido lo que fue. Y es que a Haydn, más que a ningún otro, se debe el definitivo establecimiento de formas como la sonata y de géneros como la sinfonía y el cuarteto de cuerda, que se mantuvieron vigentes sin apenas modificaciones hasta bien entrado el siglo XX.

Nacido en el seno de una humilde familia, el pequeño Joseph Haydn recibió sus primeras lecciones de su padre, quien, después de la jornada laboral, cantaba acompañándose al arpa. Dotado de una hermosa voz, en 1738 Haydn fue enviado a Hainburg, y dos años más tarde a Viena, donde ingresó en el coro de la catedral de San Esteban y tuvo oportunidad de perfeccionar sus conocimientos musicales.
Allí permaneció Haydn hasta el cambio de voz, momento en que, tras un breve período como asistente del compositor Nicola Porpora, pasó a servir como maestro de capilla en la residencia del conde Morzin, para quien compuso sus primeras sinfonías y divertimentos.

El año 1761 se produciría un giro decisivo en la carrera del joven músico: fue entonces cuando los príncipes de Esterházy –primero Paul Anton y poco después, a la muerte de éste, su hermano Nikolaus– lo tomaron a su servicio. Haydn tenía a su disposición una de las mejores orquestas de Europa, para la que escribió la mayor parte de sus obras orquestales, operísticas y religiosas.


El fallecimiento en 1790 del príncipe Nikolaus y la decisión de su sucesor, Paul Anton, de disolver la orquesta de la corte motivó que Haydn, aun sin abandonar su cargo de maestro de capilla, instalara su residencia en Viena. Ese año, y por mediación del empresario Johann Peter Salomon, el músico realizó su primer viaje a Londres, al que siguió en 1794 un segundo. En la capital británica, además de dar a conocer sus doce últimas sinfonías, tuvo ocasión de escuchar los oratorios de Haendel, cuya impronta es perceptible en su propia aproximación al género con La Creación y Las estaciones.

Fallecido Paul Anton ese mismo año de 1794, el nuevo príncipe de Esterházy, Nikolaus, lo reclamó de nuevo a su servicio, y para él escribió sus seis últimas misas, entre las cuales destacan las conocidas como Misa Nelson y Misa María Teresa. Los últimos años de su existencia vivió en Viena, entre el reconocimiento y el respeto de todo el mundo musical.

La aportación de Haydn fue trascendental en un momento en que se asistía a la aparición y consolidación de las grandes formas instrumentales. Precisamente gracias a él, dos de esas formas más importantes, la sinfonía y el cuarteto de cuerda, adoptaron el esquema en cuatro movimientos que hasta el siglo XX las ha caracterizado y definido, con uno primero estructurado según una forma sonata basada en la exposición y el desarrollo de dos temas melódicos, al que seguían otro lento en forma de aria, un minueto y un rondó conclusivo.


No es, pues, de extrañar que Haydn haya sido considerado el padre de la sinfonía y del cuarteto de cuerda: aunque ambas formas existían como tales con anterioridad, por ejemplo entre los músicos de la llamada Escuela de Mannheim, fue él quien les dio una coherencia y un sentido que superaban el puro divertimento galante del período anterior. Si trascendental fue su papel en este sentido, no menor fue el que tuvo en el campo de la instrumentación, donde sus numerosos hallazgos contribuyeron decisivamente a ampliar las posibilidades técnicas de la orquesta sinfónica moderna.


A continuación, de Franz Joseph Haydn, Sinfonía Concertante para Violín, Violoncello, Oboe, Fagot, y Orquesta en Si Bemol Mayor Hob.I:105, en la interpretación de la Orquesta Filarmónica de Viena, dirigida por Leonard Bernstein.

31 de Marzo de 1492. Firma del decreto de expulsión de los judíos de España.


La expulsión de los judíos de España fue ordenada en 1492 por los Reyes Católicos mediante el Edicto de Granada con la finalidad, según el decreto, de impedir que siguieran influyendo en los cristianos nuevos para que éstos judaizaran. 

La decisión de expulsar a los judíos está relacionada con la instauración de la Inquisición catorce años antes en la Corona de Castilla y nueve en la Corona de Aragón, porque precisamente fue creada para perseguir a los judeoconversos que seguían practicando su antigua fe. 


Como ha señalado el historiador Julio Valdeón, "sin duda alguna la expulsión de los judíos del solar ibérico es uno de los temas más polémicos de cuantos han sucedido a lo largo de la historia de España". Por su parte el hispanista francés Joseph Pérez ha destacado las semejanzas que existen entre esta expulsión y la persecución de los judíos en la Hispania visigoda casi mil años antes.

El 31 de marzo de 1492, poco después de finalizada la guerra de Granada, los Reyes Católicos firmaron en Granada el decreto de expulsión de los judíos, aunque este no se haría público hasta finales del mes de abril.


A continuación, un informe sobre la Judería de Toledo de la TV de España.

Johann Sebastian Bach. Una vida apasionada.



Johann Sebastian Bach nació en Eisenach, Turingia, Alemania, el 31 de marzo de 1685 y murió en Leipzig, el 28 de julio de 1750. Compositor, organista, clavecinista, violinista, violista y maestro de capilla.


Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa por su gran técnica y capacidad de improvisar música al teclado y aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba.


Su fecunda obra está considerada como la cumbre de la música barroca, se destaca en ella su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, además de la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. 


Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Wolfgang Amadeus Mozart pasando por Arnold Schönberg, hasta nuestros días.


Sus obras más importantes están entre las más destacadas de la música clásica europea y de la música universal. Entre ellas se encuentran los Conciertos de Brandeburgo, El clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según san Mateo, El arte de la fuga, Ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, varios ciclos de cantatas, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites para orquesta, entre muchas otras. 


Seguidamente, Bach. Una vida apasionada, documental producido por la BBC, con la conducción del director John Eliot Gardiner.



Sir John Eliot Gardiner, nació en Dorset, Inglaterra, el 20 de abril de 1943. Director de orquesta.


Fundó tanto el Coro Monteverdi en 1964 como los English Baroque Soloists, Solistas Barrocos Ingleses, fundada como Orquesta Monteverdi en 1968 y transformada en los Solistas Barrocos Ingleses en 1978.


Es muy famoso por sus ejecuciones de música barroca con instrumentos de época y ha hecho más de 250 grabaciones, que abarcan desde Claudio Monteverdi hasta Benjamin Britten, cubriendo no sólo la música antigua y barroca, por la que es muy renombrado, sino también un amplio rango de música clásica y romántica incluyendo todas las sinfonías de Beethoven, La condenación de Fausto de Berlioz, y Falstaff de Giuseppe Verdi.


Su interpretación de Les Boréades de Rameau en el Festival de Aix-en-Provence de 1982 está considerada como histórica. 



Ha sido director musical de la Ópera de Lyon, entre 1983 y 1988, y director principal de la Orquesta Sinfónica de la Radio del Norte de Alemania. 


Como director invitado, Gardiner se ha presentado con algunas de las mejores orquestas del mundo, incluyendo la Orquesta Philharmonia, la Orquesta Sinfónica de Boston, el Orquesta Real del Concertgebouw de Amsterdam y la Filarmónica de Viena. Ha dirigido la Ópera del Sadler's Wells y en el Covent Garden.

A continuación el documental subtitulado en español.


domingo, 30 de marzo de 2014

Goya


Francisco de Goya y Lucientes nació en Fuendetodos, provincia de Zaragoza, España, el 30 de marzo de 1746 y murió en Burdeos, Francia, el 16 de abril de 1828. Pintor y grabador.

Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo y en todas estas facetas desarrolló un estilo que inauguró el Romanticismo.

El arte de Goya anticipa el comienzo de la pintura contemporánea, y está considerado como un precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, en el ámbito estilístico del barroco tardío y las estampas devotas, viajó a Italia en 1770, donde trabó contacto con el incipiente neoclasicismo, que adoptó cuando regresó a Madrid a mediados de esa década, junto con un pintoresquismo costumbrista rococó derivado de su nuevo trabajo como pintor de cartones para los tapices de la manufactura real de Santa Bárbara.


Una grave enfermedad lo aquejó en 1793 y Goya se acercó a una pintura más creativa y original, con temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales.

Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denominó de capricho e invención, inició la fase madura de su obra y la transición hacia la estética romántica.

Goya reflejó en su obra, el convulso periodo histórico, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra, mostró las atrocidades cometidas y donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.


Una de las obras de gran popularidad fue su Maja desnuda, en parte favorecida por la polémica generada en torno a la identidad de la bella retratada, y de comienzos del siglo XIX datan también otros retratos que emprenden el camino hacia el nuevo arte burgués.

Cuando finalizó el conflicto hispano-francés pintó dos grandes cuadros sobre el levantamiento de mayo de 1808, que sientan un precedente tanto estético como temático para el cuadro de historia, que no solo comenta sucesos próximos a la realidad que vive el artista, sino que alcanza un mensaje universal.


Su obra culminante, es la serie de Pinturas negras al óleo sobre el muro seco con que decoró su casa de campo, la Quinta del Sordo, donde anticipó la pintura contemporánea y los variados movimientos de vanguardia que marcaron el siglo XX.

A continuación, un documental emitido por TVE.


Ludwig van Beethoven. Sonata para Piano Nº 31 en La Bemol Mayor Opus 110.


Las Sonatas para piano de Beethoven son uno de los más rigurosos y esenciales aportes a la historia de la literatura pianística de todas las épocas.

Beethoven terminó la composición de la Sonata Op. 110 el 25 de diciembre de 1821 y la fecha quedó consignada en el original. 

 
La simple lectura de sus tempi, acredita la total y absoluta voluntad de originalidad y la obra no tiene ninguna dedicatoria. 

A continuación, de Ludwig van Beethoven, la Sonata para Piano Nº 31 en La Bemol Mayor Opus 110, en la interpretación de Hélène Grimaud.


sábado, 29 de marzo de 2014

Astrud Gilberto


Astrud Weinert, conocida como Astrud Gilberto, nació en Bahía, Brasil, el 29 de marzo de 1940. Cantante de bossa nova, samba y jazz.

Su vinculación con el mundo de la música comenzó en 1959 cuando se casó con uno de los primeros guitarristas de bossa nova, João Gilberto.


En 1963 mientras João Gilberto grababa en Nueva York con el pianista y compositor Antonio Carlos Jobim y con el saxofonista Stan Getz, un disco de fusión entre el jazz y la bossa nova, Astrud Gilberto, a instancias de su esposo, cantó unas estrofas, y tanto gustó su voz que, a pesar de no tener experiencia previa, participó en la grabación del disco Getz/Gilberto.

El éxito de Garota de Ipanema la catapultó como una de las intérpretes más conocidas de una época de oro de la música brasileña.

Heloisa Pinheiro, la Garota de Ipanema.
A partir de entonces emergió como nombre reconocible en todo el mundo y comenzó una larga carrera artística. Grabó en varios idiomas, inclusive en español y empezó a escribir canciones en los años 70.

Astrud Gilberto también es artista plástica, y es conocida por su apoyo a los derechos de los animales.


Recibió el premio "Latin Jazz USA Award for Lifetime Achievement" y fue inducida en 2002 al "International Latin Music Hall of Fame".

A continuación, Astrud Gilberto con Antonio Carlos Jobim en guitarra y voz, Joao Donato en piano, Joe Mondragon en contrabajo y Marty Paich en arreglos y dirección. Grabado el 27 y 28 de enero de 1965. 

Vangelis


Evangelos Odysseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis, nació en Volos, Grecia, el 29 de marzo de 1943. Tecladista y compositor.

Vangelis está considerado como uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica de mediados de los años 1970 y ha logrado reconocimiento tanto por sus bandas sonoras como por sus discos de estudio.


Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne.

Desarrolla una carrera paralela como pintor, y realizó varias exposiciones internacionales. 


Su aporte a diversos proyectos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático, especialmente en Grecia y en su honor, la Unión Astronómica Internacional, le dio su nombre a un asteroide, el 6354 Vangelis.



Mythodea es una sinfonía coral para orquesta, coro mixto, dos sopranos, y sintetizadores, compuesta por Vangelis, y que une la mitología griega con la exploración del espacio exterior.

Esta obra es el resultado del trabajo de Sonny Classical, y el proyecto Mars Odyssey de la NASA.

El disco fue grabado en el Athens Concert Hall, y Vangelis se presentó junto a la London Metropolitan Orchestra, las sopranos Kathleen Battle y Jessye Norman, el coro de la Ópera Nacional de Grecia, todos dirigidos por Blake Neely.


La agencia espacial usó la música en su programa educativo, mientras que el concierto de presentación del disco, llevado a cabo el 28 de junio de 2001, utilizó imágenes de Marte, de los archivos de la NASA, junto con elementos de la mitología clásica entre las imágenes proyectadas.

La fecha de edición del álbum, coincidió con la entrada en la órbita marciana de la sonda espacial Mars Odyssey.

  
A continuación, de Vangelis, Mythodea, Música para la Misión 2001 Mars Odyssey de la NASA.


viernes, 28 de marzo de 2014

Tete Montoliu


Vicenç Montoliu i Massana, más conocido como Tete Montoliu, nació en Barcelona, España, el 28 de marzo de 1933 y falleció en su ciudad, el 24 de agosto de 1997. Pianista y compositor.

Ciego de nacimiento, comenzó a tocar el piano desde su infancia, influido por su familia de gran vocación musical. Se inició en el mundo del jazz atraído por la música de Art Tatum, otro gran pianista ciego, y Earl Hines, y fue el primero que trascendió las fronteras españolas y alcanzó nivel internacional.

Su trayectoria profesional comenzó en el Hot Club de Barcelona, donde tocó con frecuencia con el saxofonista Don Byas y conoció a Lionel Hampton, quien lo incoporó a una grabación suya, en 1956.



Actuó en Cannes en trío, con Art Taylor y Doug Watkins, en 1958, lo que fue su primera actuación fuera de España.

En los años 1960, actuó con frecuencia en Berlín, junto a Albert Mangelsdorff, Chet Baker, Sahib Sihab, o Herb Geller, así como en Copenhague, junto a Dexter Gordon, Archie Shepp, Kenny Dorham y Roland Kirk, entre otros.

En 1967, grabó con Richard Davis y Elvin Jones, en Estados Unidos, pero no llegó a editarse. De regreso a Europa, editó varios discos con el trompetista Dusko Goykovich y otros músicos.

Volvió a Estados Unidos en 1979 y 1980 y trabajó en colaboración con Bobby Hutcherson, Ben Webster, Lucky Thompson, Anthony Braxton y George Coleman, con quienes también realizó diversas grabaciones. También tocó con músicos como Chick Corea, Paquito D'Rivera, Stan Getz o Stéphane Grappelli. 



En España realizó un gran número de sesiones junto a Núria Feliu, o con su inseparable trío: el contrabajista Horacio Fumero y el baterista Peer Wyboris. También grabó con otros músicos, como Jordi Sabatés.

En 1996, recibió un homenaje en el Teatro Monumental de Madrid con motivo de sus 50 años en el mundo del jazz, con Tom Harrell y Gary Bartz, entre otros.

Tete Montoliu desarrolló su forma de tocar partiendo de la influencia de Bud Powell y, en menor medida, de Lennie Tristano, aunque logró un estilo personal, percusivo, repleto de swing y muy blues y, que lo convirieron en la figura más internacional del jazz español, y en un acompañante reclamado por las figuras americanas de paso por Europa.


Tras su muerte, se creó la "Bienal Premios Tete Montoliu de Jazz".



A continuación, una presentación de Tete Montoliu en el Festival de Jazz de Vitoria, el 15 de julio de 1995.

jueves, 27 de marzo de 2014

Cecilia Suárez Paz


En Siempre Argentina Conexión Español, conversamos con Cecilia Suárez Paz sobre la presentación de su CD Renaceré

Conducción: Leonardo Liberman / Puesta en el aire: Diego Rodríguez - Jorge Falcone



Ce Suárez Paz presenta su disco Renaceré, en el que se ha reencontrado con la música que la acunó en la infancia y que forma parte de su esencia. Con este trabajo, la artista da a conocer versiones cargadas de fuerza, pasión, carisma y sensualidad.

 
Definido su estilo por la artista como “New Tango”, su técnica vocal más cercana al jazz, así como su propuesta estética, la alejan de los cánones tradicionales del género.

Con una larga carrera en la actuación, el canto y la comedia musical, la hija del reconocido violinista Fernando Suarez Paz transita este primer y emotivo encuentro artístico con su padre, quien es el director musical del disco y la acompaña junto a su quinteto en la mayoría de los temas.



Renaceré contiene un repertorio casi en su totalidad de temas de Astor Piazzolla, con transcripciones de Nicolás Guerschberg de arreglos originales: “Balada para mi muerte”, “Renaceré, Preludio para el año 3001”, “Yo soy María”, “La última Grela”, “Chiquilín de Bachín”, “Soledad” (por primera vez grabada por una voz femenina) “Los pajaros perdidos” y “Balada para un loco”. También una personal versión de “Poema en Si Mayor”, acompañada por Nicolás Guerschberg en piano y arreglo, y “Volver” (Gardel – Le Pera), también con arreglo del pianista. Incluye un innovador “Adiós Nonino” y “Siempre se vuelve a Buenos Aires”, junto a Federico Rosso en guitarra y arreglos, y una original versión del tango frances “En una petite garçoniere de Montmartre”, con letra de Cadícamo y música de Gabriel Senanes, grabada con SenaneS 3 y gran orquesta de cuerdas.


Fernando y Cecilia Suárez Paz

En este disco participan Fernando Suárez Paz, Nicolás y Alejandro Guershberg, Horacio Cabarcos, Esteban Falabella, Gabriel Senanes, Federico Rosso, Pablo Marcovsky, Humberto Ridolfi, Pablo Agri y Daniel Falasca, entre otros prestigioso artistas.
 

Dice Ce Suárez Paz: “El tango estuvo siempre en mí, en vivencias musicales y familiares que se grabaron en mi alma y en mi piel como tatuaje ancestral, que llevaré como insignia eternamente. Ahora llegó el momento de disfrutarlo, de entregarlo y decirlo de la boca de mi propia historia y a través de mi mas profunda y sentida interpretación. Lo siento tan mío como mi propio nombre”.